从现场室到全国屏幕

从舞台与荧屏，观察音乐产业

2025年AMIF汇聚了创作者、技术先锋和行业从业者，以‘I AM IFs’为主题。在该整体项目中，现场表演与综艺电视环节探讨了音乐在中国如何通过两种方式触达观众：现场演出的实体体验，以及电视节目营造的共享文化时刻。

现场音乐讨论环节邀请了Midi集团联合创始人Wei Shan、穆霍通明创始人钟仁、Buyi文化CEO Xiaoxiao Wang，以及OMNI音乐创始人兼CEO叶卓。电视环节还特别邀请了《爸爸去哪儿》和《奇幻之旅》等节目的导演与制作人Dikui Xie。

一个流动的现场市场，以不同速度前行

演讲者描述了一个机会与压力并存的生态系统。小型livehouse的进入门槛更高：投资可能巨大，而票务收入却存在不确定性。大约千人规模的演出场地数量有所增加，导致同一周末安排的演出之间竞争激烈。

音乐节的走向则有所不同。疫情后迅速扩张的市场已逐渐转向更为审慎的格局，商业化、雷同的阵容和重复的推广策略日益凸显。为追逐流量而营造的市场繁荣，看似规模庞大，实则让艺术家与推广方在争夺同一份关注中陷入内卷。

与此同时，大型现场音乐会受益于人们对现场娱乐需求的回升、政策支持以及场馆基础设施的投入。该领域的发展并未消除其他领域的困难。小组还探讨了资本进入行业的影响，以及人工智能辅助制作可能带来的音乐同质化风险。

他们的回应是回归现场演出的本质。一个可持续的观众群体，依赖于高质量的演出和在舞台上令人信服的呈现能力，而不仅仅是依靠宣传推广的规模。

超越数据的精彩呈现

网易云音乐等数字平台为独立音乐人的创作提供了传播渠道。然而，演讲者强调，长期发展需要关注完整的艺术表达：包括歌曲、现场演出、专辑封面、视觉风格以及统一的个人形象。

市场反馈可以作为参考，但不应成为工作的唯一目的。该讨论鼓励音乐人超越持续量化，专注于自身表达的独特性。

案例包括Midi早期将线下社群建设与线上推广相结合的做法，以及国际艺人如杰西·J需要以符合中国社交媒体环境的方式进行沟通。文化根基与本地适应被呈现为互补而非对立的议题。

当主题曲成为独立生命

Dikui Xie的电视讨论聚焦音乐与节目身份之间的关系。一首出色的歌曲可能成为节目的标志性元素，同时也能超越节目本身，融入日常聆听。

他以《爸爸去哪儿》的片尾主题曲为例。作曲家叶盛涛创作了该曲，节目中的明星嘉宾本人也参与了演唱。这种做法使歌曲与节目的人物性格和情感氛围紧密相连，同时有效控制了制作成本。

正如会议报告所述，该活动的成果远超其即时需求：主题本身成为了一个令人难忘的文化符号，并持续在KTV场景中传播。类似模式在《Wonderland》等节目中通过邀请参与者参与创作，使音乐更贴近节目的整体气质。

谢的强调点在于音乐与内容的关系，而非预算规模。一首歌只要能延展节目的叙事、强化观众记忆，并且具备独立存在的鲜明个性，便算成功。

为长久职业发展打下的坚实基础

在两场讨论中，建议始终围绕着耐心的专业成长。幕后工作人员可以通过入门级职位和实际经验逐步建立理解，国际项目经历能进一步拓宽视野。艺术家需要时间发展个人风格，并具备足够的商业意识，以将这种声音与听众有效连接。

这些讨论为一个竞争激烈的市场提供了务实的回应：创作优质作品，从现场创作中学习，理解观众接触音乐的语境，并以此为基础不断推进。