Du salon de concert à l'écran national.

Une industrie vue de la scène et du écran

AMIF 2025 a réuni des créateurs, des innovateurs techniques et des professionnels de l'industrie autour du thème « I AM IFs ». Au sein de ce programme plus vaste, les sessions consacrées aux performances scéniques et aux émissions de divertissement ont exploré deux moyens puissants par lesquels la musique touchait le public en Chine : l'expérience physique d'un spectacle et le moment culturel partagé créé par un programme télévisé.

La discussion sur la musique live a réuni Wei Shan, co-fondatrice de Midi Group ; Zhong Ren, fondateur de Muhuo Tongming ; Xiaoxiao Wang, directrice générale de Buyi Culture ; et Ye Zuo, fondateur et directeur général d'OMNI Music. L'émission télévisée a quant à elle présenté Dikui Xie, réalisateur et producteur, connu pour des programmes tels que « Où allons-nous, papa ? » et « Wonderland ».

Un marché vivant qui bouge à des vitesses différentes

Les intervenants ont décrit un écosystème où opportunités et contraintes coexistaient. Les petites salles de concert indépendantes étaient confrontées à des exigences plus élevées : les investissements pouvaient être importants, tandis que les ventes de billets restaient incertaines. Le nombre de salles accueillant environ mille personnes avait augmenté, ce qui avait créé une concurrence intense entre les spectacles programmés les mêmes week-ends.

Les festivals de musique ont suivi une autre voie. Après une croissance rapide suite à la pandémie, le marché est devenu plus sélectif, et la commercialisation, des programmations similaires et des stratégies promotionnelles répétitives sont devenues de plus en plus visibles. La recherche effrénée de fréquentation pouvait donner l'impression d'un marché plus vaste, tout en laissant les artistes et les organisateurs se disputer la même attention.

Les grands concerts, quant à eux, ont bénéficié d'une demande renouvelée pour les événements en présentiel, de conditions politiques favorables et d'investissements dans les infrastructures des salles. Cette croissance, observée dans ce segment du marché, n'a pas pour autant résolu les difficultés rencontrées ailleurs. Le panel a également examiné l'impact de l'afflux de capitaux dans le secteur et la possibilité que la production assistée par l'IA puisse entraîner une uniformisation de la musique.

Leur réponse a été de revenir à l'essence même d'une expérience en direct. Une audience durable dépendait de la qualité du travail et de la capacité à le présenter de manière convaincante sur scène, et non pas uniquement de l'ampleur d'une campagne de promotion.

Du travail qui résiste au-delà des chiffres

Les plateformes numériques telles que NetEase Cloud Music offraient des voies importantes pour la diffusion du travail indépendant. Néanmoins, les intervenants ont souligné que le développement à long terme nécessitait une attention portée à l'ensemble de la présentation artistique : les chansons, les performances en direct, la conception des pochettes d'album, le style visuel et une identité cohérente.

Les retours du marché peuvent éclairer ce travail sans en faire le seul objectif. Les discussions ont encouragé les musiciens à dépasser une évaluation constante et à se concentrer sur ce qui rendait leur expression unique.

Des exemples incluaient la première approche de Midi, qui combinait le développement d'une communauté en personne et la promotion en ligne, ainsi que la nécessité pour des artistes internationaux comme Jessie J de communiquer de manière à ce que cela corresponde à l'environnement des réseaux sociaux en Chine. L'importance de l'ancrage culturel et de l'adaptation locale a été présentée comme des préoccupations complémentaires, et non concurrentes.

Lorsqu'une musique d'ouverture devient une vie à elle-même

La discussion télévisée de Dikui Xie s'est concentrée sur le lien entre la musique et l'identité d'un programme. Une chanson efficace pouvait devenir un élément reconnaissable d'une émission, tout en dépassant cette dernière pour s'intégrer dans l'écoute quotidienne.

Il a utilisé le thème de la série « Où allons-nous, papa ? » comme exemple. Le compositeur Ye Shengtao a créé cette musique, et les participants célèbres de l'émission l'ont eux-mêmes interprétée. Cette approche a permis de maintenir un lien étroit entre la chanson, les personnalités de l'émission et son ambiance émotionnelle, tout en maîtrisant les coûts de production.

Le résultat, tel que décrit dans le rapport de session, a dépassé les besoins immédiats du programme : le thème est devenu une référence culturelle mémorable et a continué à circuler dans des contextes de karaoké. Des approches similaires, mises en œuvre dans des programmes comme "Wonderland", ont invité les participants à s'impliquer dans le processus d'écriture des chansons, afin que la musique reflète l'esprit du spectacle.

L'insistance de Xie portait sur le lien entre la musique et le contenu, plutôt que sur l'importance du budget. Une chanson était réussie lorsqu'elle enrichissait le récit du programme, renforçait la mémorisation par le public et conservait suffisamment de caractère pour être appréciée en elle-même.

Une base pratique pour une carrière durable

Au cours des deux sessions, les conseils ont constamment mis l'accent sur le développement professionnel des individus. Les personnes travaillant en coulisses peuvent acquérir une meilleure compréhension grâce à des postes débutants et à une expérience pratique ; des missions à l'étranger peuvent élargir cette perspective. Les artistes ont besoin de temps pour développer une identité artistique personnelle et d'une certaine conscience commerciale pour connecter cette identité avec leur public.

Les discussions ont permis de proposer une approche concrète face à un marché saturé : créer des œuvres de qualité, s'inspirer de l'expérience en direct, comprendre le contexte dans lequel le public écoute de la musique, et partir de là.