Del salón de concierto al televisor nacional.

Un sector visto desde el escenario y la pantalla

AMIF 2025 reunió a creadores, innovadores técnicos y profesionales de la industria bajo el lema ‘I AM IFs’. Dentro de este programa más amplio, las sesiones de actuaciones en vivo y de entretenimiento televisivo exploraron dos formas poderosas en las que la música llegaba al público en China: la experiencia física de un espectáculo y el momento cultural compartido que creaba un programa de televisión.

La discusión sobre música en vivo contó con la participación de Wei Shan, cofundadora de Midi Group; Zhong Ren, fundador de Muhuo Tongming; Xiaoxiao Wang, directora ejecutiva de Buyi Culture; y Ye Zuo, fundador y director ejecutivo de OMNI Music. La sesión televisiva presentó al director y productor Dikui Xie, conocido por programas como "¿A dónde vamos, papá?" y "Wonderland".

Un mercado vivo que avanza a diferentes velocidades

Los oradores describieron un ecosistema en el que la oportunidad y la presión coexistían. Los pequeños locales, a menudo con capacidad limitada, enfrentaban una barrera de entrada más alta: la inversión podía ser considerable, mientras que las ventas de entradas seguían siendo inciertas. El número de locales con capacidad para aproximadamente mil personas había aumentado, lo que generaba una intensa competencia entre los espectáculos programados para los mismos fines de semana.

Los festivales de música siguieron una trayectoria diferente. El rápido crecimiento posterior a la pandemia había dado paso a un mercado más selectivo, donde la comercialización, las programaciones similares y las estrategias promocionales repetitivas eran cada vez más evidentes. La búsqueda de atraer público podía hacer que el mercado pareciera más grande, a la vez que dejaba a artistas y promotores compitiendo por la misma atención.

Los grandes conciertos, por su parte, se habían beneficiado de una renovada demanda de entretenimiento presencial, de condiciones políticas favorables y de la inversión en la infraestructura de los recintos. El crecimiento en ese segmento del mercado no eliminó las dificultades existentes en otras áreas. El panel también consideró los efectos de la entrada de capital en el sector y la posibilidad de que la producción asistida por IA pudiera contribuir a una mayor uniformidad en la música.

Su respuesta fue volver a lo fundamental: una experiencia en vivo. Una audiencia sostenible dependía de un trabajo de calidad y de la capacidad de presentarlo de manera convincente en el escenario, y no simplemente del tamaño de una campaña promocional.

Obra que dura más allá de los números

Las plataformas digitales, como NetEase Cloud Music, ofrecieron importantes canales para la difusión del trabajo independiente. Sin embargo, los participantes argumentaron que el desarrollo a largo plazo requería atención a la presentación artística completa: canciones, actuaciones en vivo, diseño de álbumes, estilo visual y una identidad coherente.

La retroalimentación del mercado podría aportar información a ese trabajo sin llegar a ser su único propósito. La conversación animó a los músicos a mirar más allá de la medición constante y a concentrarse en lo que hacía que su expresión fuera distintiva.

Ejemplos como los de Midi ilustran la combinación inicial de actividades de creación de comunidad presenciales y promoción en línea, así como la necesidad de que artistas internacionales como Jessie J se comunicaran de maneras que resultaran coherentes dentro del entorno de las redes sociales chinas. Se presentaron la adaptación cultural y la localización como aspectos complementarios, y no como preocupaciones opuestas.

Cuando una canción temática se convierte en una parte esencial de la vida

La discusión televisiva de Dikui Xie se centró en la relación entre la música y la identidad de un programa. Una canción eficaz podía llegar a ser un elemento reconocible de un programa, a la vez que trascendía este ámbito para convertirse en parte de la escucha cotidiana.

Utilizó el tema de "¿A dónde vamos, papá?" como ejemplo. El compositor Ye Shengtao creó la música, y los participantes famosos del programa la cantaron ellos mismos. Esa estrategia mantuvo la canción estrechamente vinculada a la personalidad y al tono emocional del programa, a la vez que controlaba los costos de producción.

El resultado, tal como se describe en el informe de la sesión, superó las necesidades inmediatas del programa: el tema se convirtió en una referencia cultural memorable y continuó utilizándose en sesiones de karaoke. En programas similares, como "Wonderland", se invitaba a los participantes a involucrarse en el proceso de composición para que la música reflejara la esencia del espectáculo.

El énfasis de Xie se centraba en la relación entre la música y el contenido, más que en el tamaño del presupuesto. Una canción funcionaba cuando complementaba la narrativa del programa, reforzaba la memoria del público y, a la vez, conservaba suficiente personalidad para ser escuchada por sí misma.

Una base práctica para una carrera duradera

A lo largo de ambas sesiones, el consejo se centró en el desarrollo profesional continuo. Las personas que trabajan en tareas de apoyo podían adquirir conocimientos a través de puestos de nivel inicial y mediante la experiencia práctica; las oportunidades internacionales podrían ampliar aún más esa perspectiva. Los artistas necesitaban tiempo para desarrollar una voz propia y, al mismo tiempo, adquirir la sensibilidad necesaria para conectar esa voz con el público.

Las conversaciones ofrecieron una respuesta realista ante un mercado saturado: crear obras sólidas, aprender de la experiencia en vivo, comprender el contexto en el que el público se encuentra con la música, y partir de ahí.