Construire une carrière sans perdre votre propre voix.

Deux voies, de nombreuses décisions

Le programme de développement des artistes d'AMIF s'est demandé quelles étaient les conditions nécessaires pour transformer une activité musicale en une carrière à l'ère du streaming. Il a examiné à la fois une voie soutenue par un label, dans laquelle une entreprise pouvait aider à coordonner les sorties, l'image et les opportunités de performance, et une voie indépendante, dans laquelle les artistes rassemblaient les ressources nécessaires pour présenter leur propre travail au public.

Perspective A&R : Stratégie d'entrée sur le marché américain, avec Gabi Kochlani, fondatrice et directrice A&R chez The Grey Administration ; Shaugnessy Elsroth, responsable A&R chez Sony Music Publishing ; et Chris Wares du Berklee College of Music. L'événement "Indie Artists Rising" a réuni Benjamin Ezaki d'88rising, Adam Moseley d'Accidental Entertainment, Ye Zuo d'OMNI Music, ainsi que Ke Song, directeur artistique chez Wuyou Media.

Ce que les A&R cherchent

La discussion concernant le rôle d'un A&R a expliqué une fonction qui relie les talents créatifs aux besoins et aux ressources d'une maison de production musicale. Associer une chanson à un artiste impliquait bien plus que de trouver une mélodie accrocheuse : la musique devait correspondre à une voix, à une sensibilité et s'inscrire dans une démarche artistique plus large.

Les intervenants ont décrit une routine d'écoute exigeante. Le rapport mentionnait un exemple concret : un professionnel de l'A&R écoutait au moins 100 morceaux par jour, avec une première écoute d'environ 45 secondes par titre. Une durée de morceau d'environ trois minutes quarante secondes a été évoquée comme une référence courante. Ces observations illustraient le rythme de prise de décision plutôt qu'une formule universelle pour écrire une chanson à succès.

Les démonstrations générées par l'IA faisaient partie de cette discussion sur le processus de production. Suno a été mentionné comme un moyen d'expérimenter rapidement différents styles et différentes interprétations vocales avant de proposer une chanson. Un exemple illustrait un auteur-compositeur masculin préparant une maquette avec une voix féminine, dans le cadre d'un appel à chansons destiné à une artiste féminine. L'intérêt pratique résidait dans sa capacité à aider un responsable des relations artistes à visualiser l'adéquation entre une composition et une interprète potentielle.

Le panel a également encouragé les artistes à réfléchir à la manière dont ils se présentent sur les réseaux sociaux, notamment sur Instagram et via les Stories. Ces plateformes peuvent donner à un chargé de promotion artistique une vision plus complète de leur personnalité, de leur identité visuelle et de leur style de performance, qu'un simple fichier audio.

L'indépendance comme méthode de travail

La discussion sur les artistes indépendants a commencé par une réflexion sur le terme « indépendant ». Souvent associé par le passé à un son alternatif, ce terme décrit de plus en plus l'autonomie et la structure d'entreprise d'un artiste. Cette étiquette, à elle seule, ne permettait pas de déterminer le niveau de soutien, d'investissement ou d'infrastructure professionnelle qui se trouvait derrière un projet.

Les intervenants ont opposé une équipe restreinte et spécialisée à la possibilité de devenir l'une des nombreuses priorités concurrentes au sein d'une grande entreprise. La question la plus pertinente était de savoir quelle structure pouvait le mieux servir le travail de l'artiste et son étape de développement.

Développer une audience était une priorité dès le début. Les vidéos courtes, les diffusions en direct et une identité personnelle reconnaissable pouvaient aider un artiste à se constituer une base de fans avant de se lancer dans des projets plus ambitieux. Le démarrage était souvent la phase la plus difficile, car l'artiste était en train de développer à la fois sa musique et les moyens de toucher son public.

Adam Moseley a souligné l'importance d'un travail constant et concret. Développer une présence en ligne exigeait plus qu'un simple moment d'attention ; le défi consistait à offrir aux gens une raison de revenir et à intégrer progressivement de nouveaux auditeurs à cette relation.

Un public dans un marché n'est pas automatiquement un public dans un autre

Le panel a prévenu contre l'utilisation d'une mesure unique pour évaluer l'exposition globale. Un artiste peut attirer des millions de vues à l'échelle internationale tout en n'ayant qu'un public restreint en Chine. Les plateformes, les habitudes culturelles et les mécanismes qui convertissaient l'attention en engagement variaient d'un endroit à l'autre.

Trois canaux numériques ont été abordés : le commerce en direct, les contenus courts et les programmes de divertissement variés. L'objectif principal était de créer un lien entre la découverte en ligne et la participation hors ligne. Une audience numérique devenait plus précieuse pour un artiste lorsqu'elle pouvait se transformer en une communauté désireuse d'assister à un spectacle.

Il était cependant impossible de simplement attribuer une position à un artiste. Les intervenants sont revenus de manière répétée sur l'importance d'une identité artistique claire. Une question posée lors des entretiens – demandant aux musiciens quels trois artistes ils choisiraient pour une tournée – était proposée comme un moyen de comprendre leur propre perception de leur travail et de leur public.

L'influence était naturelle, tandis que l'imitation relevait d'une autre question. Les intervenants ont souligné que le public était capable de déceler une personnalité artificielle et qu'une carrière durable exigeait qu'un artiste apporte sa propre contribution sur scène.

De nouvelles outils, avec l'artiste au centre

La discussion finale est revenue sur l'IA. Les panélistes la considéraient comme une source de nouvelles méthodes créatives, plutôt qu'un substitut aux artistes. Les démonstrations et les expériences visuelles pourraient devenir moins coûteuses, ce qui permettrait à de nouveaux projets d'explorer différentes possibilités avant d'allouer un budget plus important.

Ils ont également discuté de la création de nouveaux éléments plutôt que de se contenter uniquement d'échantillons enregistrés existants. La comparaison constante était faite avec des outils plus anciens, comme les échantillonneurs : la technologie a modifié le processus, mais l'artiste est resté responsable des choix et de l'œuvre finale.

En confrontant les différentes perspectives et les informations issues des études, le programme a permis de mieux concrétiser les compromis à prendre. Les participants ont pu repartir avec une vision plus claire des équipes, des relations et des habitudes qui pourraient les aider à construire une carrière en accord avec leurs aspirations musicales.