Construir una carrera sin perder tu propia voz.

Dos rutas, muchas decisiones

El programa de desarrollo de artistas de AMIF se preguntó qué se necesitaba para convertir la creación musical en una carrera profesional en la era del streaming. Se analizaron tanto las vías respaldadas por una discográfica, en las que una empresa podía ayudar a coordinar lanzamientos, imagen y oportunidades de presentación, como las vías independientes, en las que los artistas reunían los recursos necesarios para llevar su trabajo directamente al público.

Perspectivas de A&R: La estrategia de entrada al mercado estadounidense contó con la participación de Gabi Kochlani, fundadora y directora de A&R de The Grey Administration; Shaugnessy Elsroth, gerente de A&R de Sony Music Publishing; y Chris Wares de Berklee College of Music. "Indie Artists Rising" reunió a Benjamin Ezaki de 88rising, Adam Moseley de Accidental Entertainment, Ye Zuo de OMNI Music, y Ke Song, director sénior de artistas de Wuyou Media.

Lo que buscan los A&R

La conversación sobre el rol de A&R explicó una función que conecta el talento creativo con las necesidades y los recursos de una compañía discográfica. Asignar una canción a un artista implicaba más que encontrar una melodía atractiva: la música debía encajar con una voz, una sensibilidad y una dirección artística más amplia.

Los oradores describieron una rutina de escucha exigente. El informe registró un caso en el que un profesional de A&R escuchaba al menos 100 canciones al día, con una primera escucha de aproximadamente 45 segundos por canción. Se mencionó una duración de canción de alrededor de tres minutos y cuarenta segundos como un punto de referencia común. Estas observaciones ilustraban el ritmo de toma de decisiones, más que una fórmula universal para escribir una canción exitosa.

Las demostraciones generadas por IA formaron parte de esa discusión sobre el flujo de trabajo. Se mencionó a Suno como una herramienta para probar diferentes estilos y presentaciones vocales de forma rápida, antes de presentar una canción. Un ejemplo involucró a un compositor masculino que preparó una demostración con voz femenina para una convocatoria que buscaba canciones para una artista femenina. El valor práctico residía en ayudar a un ejecutivo de A&R a imaginar la compatibilidad entre una composición y una posible intérprete.

El panel también animó a los artistas a considerar cómo se presentaban a través de las redes sociales, incluyendo Instagram y las Historias. Esas plataformas podían ofrecer a un profesional de A&R una impresión más completa de la personalidad, la identidad visual y el estilo de interpretación que un único archivo de audio.

La independencia como forma de trabajar

La discusión sobre los artistas independientes comenzó con una reflexión sobre la palabra "independiente". Anteriormente, este término se asociaba con frecuencia a un sonido alternativo, pero cada vez más describía la autonomía y la estructura empresarial de un artista. Por sí solo, el término no explicaba el nivel de apoyo, inversión o infraestructura profesional que respaldaba un proyecto.

Los oradores contrastaron la posibilidad de contar con un equipo especializado y reducido con la posibilidad de convertirse en una de las muchas prioridades en competencia dentro de una empresa grande. La pregunta más relevante era cuál de esas opciones podría ser más beneficiosa para el trabajo del artista y su etapa de desarrollo.

La construcción de una audiencia fue una prioridad inicial. El uso de videos cortos, las transmisiones en vivo y la creación de una identidad personal reconocible podían ayudar a un artista a establecer una base antes de emprender actividades en vivo más ambiciosas. El comienzo solía ser la etapa más difícil, ya que el artista estaba desarrollando tanto la música como los medios para conectar con el público.

Adam Moseley destacó la importancia de un trabajo constante y práctico. Construir una presencia en línea requería más que simplemente captar la atención; el desafío consistía en ofrecer a las personas una razón para regresar y, al mismo tiempo, incorporar nuevos oyentes a esa relación de forma gradual.

Un público en un mercado no es automáticamente un público en otro

El panel advirtió contra la idea de considerar la exposición global como una única métrica. Un artista podría atraer millones de visualizaciones a nivel internacional, a la vez que cuenta con un número reducido de seguidores en China. Las plataformas, los hábitos culturales y los mecanismos que transformaban la atención en participación variaban de un lugar a otro.

Se analizaron tres canales digitales: el comercio a través de transmisiones en vivo, el contenido de formato breve y los programas de entretenimiento variado. El objetivo principal era conectar el descubrimiento en línea con la participación fuera de ella. Una audiencia digital se volvía más valiosa para un artista cuando podía transformarse en una comunidad dispuesta a asistir a un espectáculo.

Sin embargo, la definición de la posición no podía ser simplemente asignada por un gerente. Los participantes volvían constantemente a la importancia de una identidad artística clara. Una de las preguntas de la entrevista, que consistía en preguntar a qué tres artistas un músico elegiría para realizar una gira, se planteó como una forma de comprender cómo ese músico percibía su propio trabajo y a su público.

La influencia era natural; la imitación, algo diferente. Los oradores argumentaron que el público podía reconocer una personalidad artificial y que una carrera duradera requería que el artista aportara algo propio al escenario.

Nuevas herramientas, con el artista en el centro

La discusión final volvió a centrarse en la inteligencia artificial. Los panelistas la vieron como una fuente de métodos creativos adicionales, en lugar de un sustituto para los artistas. Las demostraciones y los experimentos visuales podrían resultar menos costosos, lo que ayudaría a que nuevos proyectos exploraran diferentes posibilidades antes de comprometer un presupuesto mayor.

También discutieron sobre la creación de nuevo material en lugar de depender únicamente de muestras grabadas existentes. La comparación constante era con herramientas anteriores, como los samplers: la tecnología transformó el proceso, pero el artista siguió siendo responsable de las decisiones y de la obra final.

Al presentar las opiniones de los participantes y las perspectivas independientes de forma conjunta, el programa hizo que las compensaciones fueran más tangibles. Los participantes se marcharon con una comprensión más clara de los equipos, las relaciones y los hábitos que podrían ayudarles a desarrollar una carrera que se adaptara a sus propios intereses musicales.