Tres mercados. Caminos diferentes. Un futuro musical compartido.

Una conversación entre tres industrias musicales

El segundo Festival de la Industria Musical Asiática reunió a músicos y profesionales del sector en Boston, del 15 al 16 de noviembre de 2025. Organizado por el Centro Global de Artes y Cultura, el festival combinó presentaciones con debates sobre las estructuras que definen una carrera musical. Su conferencia principal invitó a tres profesionales con experiencia para explicar cómo esas estructuras varían en China, Estados Unidos y Corea.

Jaco Zhang, Director de Producción de Sony Music China, lideró la presentación centrada en China. Chris Wares, Subdirector del Departamento de Música y Administración de Negocios del Berklee College of Music, habló sobre los Estados Unidos. Bernie Cho, de DFSB Kollective, exploró el caso de Corea. En conjunto, sus presentaciones conectaron cuestiones de gusto e identidad cultural con decisiones prácticas sobre distribución, promoción y desarrollo de artistas.

China: escala, originalidad y la presión para repetir un éxito

Zhang comenzó analizando la evolución de la composición del mercado musical chino. Identificó el *streaming* en vivo y el consumo de contenido de pago como áreas de actividad importantes, junto con la continua fortaleza del pop en mandarín, las bandas sonoras de películas y series, y la música que se inspira en las tradiciones culturales chinas. El informe de la sesión china presentó cifras que oscilaban entre el 25 y el 35 por ciento para los usuarios de pago, y porcentajes de 62 por ciento para el pop en mandarín, 16 por ciento para las canciones de películas y televisión, y 18.88 por ciento para la música *guofeng*. Estas cifras fueron presentadas durante la discusión de 2025, y no corresponden a una encuesta de mercado recién realizada.

La inteligencia artificial y la colaboración entre diferentes medios fueron elementos centrales de su visión. Señaló las conexiones existentes entre la música y las instituciones culturales, los juegos, los mundos virtuales y los objetos digitales coleccionables. Estas colaboraciones podrían abrir nuevas vías para la música, pero las mismas tecnologías también generaban una presión hacia la imitación: una vez que los algoritmos revelaban las características de una canción popular, los creadores podían reproducir esas características en busca de resultados rápidos.

Basándose en más de cuatro décadas de experiencia en la industria, Zhang describió el R&B como un área de rápido crecimiento, a la vez que señaló que la música pop seguía siendo firmemente establecida. Su argumento principal versaba sobre la importancia de la paciencia. Las obras originales necesitaban tiempo para desarrollarse y encontrar su público. Un clásico perdurable y un éxito comercial repentino representaban diferentes formas de éxito; ninguno de ellos podía entenderse únicamente a través de una jerarquía de gustos.

Estados Unidos: distribución, independencia y un sector fragmentado

Wares abordó el análisis del negocio a través de sus mercados, canales de distribución y estructura organizativa. Comparó la importancia continua de Japón en las ventas físicas de CDs con la preponderancia del *streaming* en Estados Unidos y en muchos mercados asiáticos. A pesar de la proliferación de herramientas de descubrimiento digital, destacó el valor perdurable de las recomendaciones transmitidas de persona a persona. El hip-hop y la música country fueron algunos de los géneros que mencionó en relación con los hábitos de escucha en Estados Unidos.

También expuso la diferencia entre un grupo musical y sus negocios individuales. Universal, Sony y Warner operaban en áreas como la grabación, la publicación, la distribución y otras actividades; era fundamental comprender qué parte de la organización desempeñaba cada función para que un artista pudiera evaluar adecuadamente una posible colaboración.

La distribución independiente ofrecía otra vía. El informe mencionaba plataformas como CD Baby, DistroKid y Symphonic como ejemplos de servicios que habían facilitado la publicación internacional. Se hizo referencia a un costo de aproximadamente 50 dólares como ilustración de este cambio; era un ejemplo tomado de una presentación, no un precio actual ni una tarifa uniforme entre esos servicios. Lo importante era que los artistas podían llegar a oyentes sin necesidad de firmar previamente un acuerdo con una discográfica importante.

Al comparar las estructuras empresariales, describió una cadena de funciones más separada en Estados Unidos y una mayor concentración de actividades dentro de una sola empresa en Corea. También consideró los conciertos virtuales, los productos digitales relacionados con la música y los registros de propiedad basados en blockchain como posibles vías para la industria, incluyendo su potencial para abordar la información de regalías fragmentada. Estas fueron posibilidades que se discutieron en el festival, no predicciones presentadas como resultados definitivos.

Corea: haciendo que la descubierta sea global y el fandom personal

Cho analizó el trabajo meticuloso que hay detrás del alcance internacional del K-pop. Los títulos y letras en inglés y coreano facilitaban a los oyentes de fuera de Corea la posibilidad de encontrar la música. Las relaciones con las plataformas de redes sociales ayudaron a las discográficas a llegar a públicos específicos, mientras que los artistas multilingües y las colaboraciones internacionales ampliaron esas conexiones más allá de un solo lanzamiento.

Analizó colaboraciones como la de HYBE con Universal Music Group y la de JYP con Live Nation, como ejemplos de infraestructura transfronteriza. La comunicación en varios idiomas, que a menudo involucraba coreano, inglés, japonés o tailandés, fue otra parte fundamental del proceso. La visibilidad a nivel mundial dependía tanto de la imagen pública de un artista como de la red que lo respaldaba.

Las comunidades de fans eran el cuarto pilar fundamental de su perfil. El informe mencionaba una audiencia global que superaba los 225 millones de personas en 112 mercados, y más de 1.700 clubes de fans internacionales. El enfoque de Cho se centraba menos en las cifras en sí, y más en la relación continua que subyacía a ellas: las actualizaciones periódicas sobre presentaciones, patrocinios y nueva música ayudaban a los fans a sentirse involucrados, manteniendo así su atención entre los lanzamientos más importantes.

De mercados lejanos a decisiones prácticas

Los asistentes tomaron notas, fotografiaron los materiales de la presentación y formularon sus propias preguntas para participar en la discusión. El intercambio permitió transformar etiquetas generales como "el mercado chino" o "la industria coreana" en sistemas más específicos, que involucraban a personas, decisiones y oportunidades. Para los músicos emergentes, el valor residía en observar tanto las diferencias entre los mercados como las opciones que podían conectarlos.