06 / Inteligencia artificial y música
Nuevas herramientas. Intención humana.
Dos conversaciones de AMIF exploraron la producción asistida por IA, la transformación vocal, la identidad creativa y las responsabilidades que conllevaban las herramientas en rápida evolución.
Tecnología, práctica y elección artística
La inteligencia artificial fue uno de los temas más ampliamente debatidos en AMIF 2025. En lugar de tratarla como una única tecnología o un único argumento, el programa reunió a personas que trabajan en investigación, desarrollo de productos, producción profesional y práctica artística.
La sesión de creación y producción contó con la participación de Sherri Hendrickson, Directora de Alianzas en AutoTune; Coco Mao, CEO y cofundadora de OpenArt; y Chris Wares de Berklee College of Music. Una segunda conversación, "IA + Música: Empoderando, no Dominando", incluyó a Rafael Valle del Meta Superintelligence Lab, Helena Zhang de Fish Audio, Gil Weinberg del Georgia Tech, Xinyu Yang de Carnegie Mellon, Ziyu Wang de NYU, y a la investigadora, compositora y artista Evelyne Li.
De una demostración a un flujo creativo
Coco Mao comenzó con un video generado por inteligencia artificial, utilizando un ejemplo visible para iniciar la conversación sobre la rapidez con la que una idea puede tomar forma. La demostración planteó una pregunta más amplia: ¿qué posibilidades podrían ofrecer estas herramientas a un artista que no cuenta con un equipo de producción extenso?
Hendrickson describió la evolución de AutoTune, que va más allá de la corrección de afinación. Estas herramientas podían ayudar a un músico a explorar un sonido o a expresar una intención, incluso cuando no tenían un conocimiento profundo de la ecualización, la compresión ni de cada etapa de la producción de audio.
Su análisis de "Metamorph" abordó la transformación vocal, la superposición de voces y la experimentación con el rango vocal y la caracterización. La creación de demos fue un contexto práctico: un compositor podía explorar cómo una composición podría adaptarse a una voz diferente antes de desarrollar una grabación final. El informe también documentó una conversación sobre las posibles aplicaciones para personas que habían perdido la voz.
La ética siguió siendo parte de la misma conversación. Hendrickson destacó la importancia de establecer límites en relación con la formación de la voz y el desarrollo de modelos de inteligencia artificial. La pregunta central del programa no era solo qué podía generar una herramienta, sino cómo podía apoyar de manera responsable la creación artística.
Aprender las herramientas sin renunciar al juicio
A lo largo de las conversaciones, los oradores describieron la inteligencia artificial como una herramienta para reducir las barreras en la producción musical y de video, y para mejorar la comunicación entre los colaboradores, incluidos músicos y animadores. De manera constante, volvían a enfatizar la idea de asistencia, en lugar de reemplazo.
Las sesiones fomentaron que los creadores experimentaran, buscaran opiniones de diversas personas y se mantuvieran involucrados en las decisiones sobre su trabajo. OpenArt, AutoTune y ChatGPT fueron algunos de los recursos mencionados como puntos de partida accesibles para las conversaciones de 2025. Los productos específicos fueron ejemplos de un flujo de trabajo emergente, y no una lista definitiva de lo que todo artista debería utilizar.
Elaborar una instrucción eficaz se describió a sí mismo como una habilidad que se desarrolla a través de la iteración. Un resultado inicial no tenía que ser perfecto para ser útil: podía aclarar una intención, revelar una limitación o proporcionar a los colaboradores algo concreto sobre lo que hablar.
La ventaja profesional más profunda, según sugirió el panel, era la adaptabilidad. Las herramientas seguirían evolucionando. La curiosidad, el criterio creativo y la capacidad de aprender serían importantes más allá de la vida útil de cualquier producto en particular.
Una identidad visual antes de mil producciones
Las preguntas del público retomaron la conversación, centrándola en la identidad general del artista. En un entorno mediático donde la música se encontraba junto con imágenes, videos y contenido en redes sociales, un lenguaje visual reconocible podía ser tan importante como un sonido cuidadosamente desarrollado.
Los oradores propusieron una base práctica: una guía de marca personal que definiera el color, la tipografía, las imágenes y la atmósfera. Con esas decisiones establecidas, la inteligencia artificial podría ayudar a producir una variedad de materiales sin que cada resultado pareciera inconexo.
El objetivo era proporcionar a la tecnología un marco creativo claro. Un músico que supiera lo que quería comunicar estaría en mejor posición para evaluar los resultados, rechazar opciones genéricas y mantener la coherencia en diferentes formatos.
Se habló sobre la posibilidad de desarrollar modelos más receptivos en ese contexto. Es posible que herramientas más avanzadas puedan interpretar con mayor precisión las intenciones de un artista, pero definir esas intenciones seguía siendo tarea de las personas.
Mantener la conversación abierta
Las dos sesiones exploraron las posibilidades en producción y comunicación, relacionándolas con temas de consentimiento, identidad y control creativo. Investigadores y fundadores pudieron explicar lo que se estaba volviendo técnicamente posible, mientras que artistas y educadores pudieron cuestionar qué hacía que esas posibilidades fueran significativas.
Para los músicos presentes, el resultado fue una invitación práctica a aprender y experimentar, manteniendo al mismo tiempo la responsabilidad sobre el trabajo. El valor de la IA se medía a través de la creatividad que impulsaba, y no únicamente por su novedad.