06 / L'intelligence artificielle et la musique
Des outils nouveaux. Une intention humaine.
Deux discussions AMIF ont exploré la production assistée par l'IA, la transformation vocale, l'identité créative et les responsabilités liées à l'évolution rapide des outils.
Technologie, pratique et choix artistiques
L'intelligence artificielle était l'un des sujets les plus fréquemment abordés lors d'AMIF 2025. Plutôt que de la considérer comme une seule technologie ou un seul argument, le programme a rassemblé des personnes travaillant dans la recherche, le développement de produits, la production professionnelle et la création artistique.
La session de création et de production a accueilli Sherri Hendrickson, Directrice des Partenariats chez AutoTune ; Coco Mao, PDG et co-fondatrice d'OpenArt ; et Chris Wares de Berklee College of Music. Une deuxième discussion, intitulée « L'IA et la musique : autonomiser, sans dominer », a réuni Rafael Valle du Meta Superintelligence Lab, Helena Zhang de Fish Audio, Gil Weinberg du Georgia Tech, Xinyu Yang de Carnegie Mellon, Ziyu Wang de NYU, ainsi que la chercheuse, compositrice et artiste Evelyne Li.
D'une démonstration à un workflow créatif
Coco Mao a débuté par une vidéo générée par intelligence artificielle, utilisant un exemple concret pour lancer la discussion sur la rapidité avec laquelle une idée peut prendre forme. Cette démonstration a permis d'introduire une question plus large : quelles possibilités de telles technologies pourraient offrir à un artiste ne disposant pas d'une équipe de production importante ?
Hendrickson a décrit l'évolution d'AutoTune, qui va bien au-delà de la correction de la hauteur. Ces outils peuvent aider un musicien à explorer un son ou à exprimer une intention, même lorsqu'il ne possède pas une connaissance approfondie de l'égalisation, de la compression ou de chaque étape de la production audio.
Son exposé sur "Metamorph" abordait la transformation vocale, les superpositions et l'expérimentation avec l'étendue et le caractère de la voix. La création de maquettes était un exemple concret : un auteur-compositeur pouvait ainsi explorer comment une composition pourrait convenir à une voix différente avant de réaliser un enregistrement final. Le rapport mentionnait également une discussion concernant les applications potentielles pour les personnes ayant perdu leur voix.
L'éthique est restée au cœur de la discussion. Hendrickson a souligné l'importance de définir des limites concernant la formation vocale et le développement des modèles d'IA. La question centrale du programme ne portait pas seulement sur ce qu'un outil pouvait générer, mais également sur la manière dont il pouvait soutenir la création de manière responsable.
Apprendre les outils sans abandonner le jugement
Au cours des discussions, les intervenants ont décrit l'IA comme un moyen de réduire les obstacles à la production musicale et vidéo, et d'améliorer la communication entre les collaborateurs, notamment les musiciens et les animateurs. Ils ont constamment souligné l'idée d'assistance plutôt que de remplacement.
Les sessions ont encouragé les créateurs à expérimenter, à solliciter des retours auprès de différentes personnes et à rester impliqués dans les décisions concernant leur travail. OpenArt, AutoTune et ChatGPT figuraient parmi les outils mentionnés comme des points de départ accessibles pour les discussions de 2025. Ces produits n'étaient que des exemples d'un flux de travail en émergence, et non une liste exhaustive de ce que chaque artiste devrait utiliser.
Rédiger une requête efficace était lui-même considéré comme une compétence qui se développe par l'expérimentation. Un premier résultat n'avait pas besoin d'être parfait pour être utile : il pouvait clarifier une intention, révéler une limitation ou offrir aux collaborateurs un point de discussion concret.
L'avantage professionnel le plus important, selon le panel, résidait dans l'adaptabilité. Les outils continueraient d'évoluer. La curiosité, le jugement créatif et la capacité d'apprendre seraient essentiels, au-delà de la durée de vie de n'importe quel produit.
Une identité visuelle avant des milliers de sorties
Les questions du public ont ramené la conversation vers l'identité globale de l'artiste. Dans un environnement médiatique où la musique se rencontrait avec des images, des vidéos et du contenu sur les réseaux sociaux, une identité visuelle reconnaissable pouvait être aussi importante qu'un son soigneusement élaboré.
Les intervenants ont proposé une base concrète : un guide de marque personnelle définissant les couleurs, la typographie, les images et l'ambiance générale. Une fois ces choix établis, l'IA pourrait aider à produire une variété de contenus sans que chaque résultat ne paraisse déconnecté.
L'objectif était de donner à la technologie un cadre créatif clair. Un musicien sachant ce qu'il souhaitait communiquer serait mieux placé pour évaluer les résultats, rejeter les options génériques et assurer une cohérence entre différents formats.
La possibilité de développer des modèles plus réactifs a été abordée dans ce contexte. Des outils améliorés pourraient peut-être interpréter plus précisément les intentions d'un artiste, mais la définition de ces intentions restait une tâche qui incombe aux humains.
Maintenir la conversation ouverte
Les deux sessions ont permis de croiser les perspectives de production et de communication avec des questions relatives au consentement, à l'identité et au contrôle créatif. Les chercheurs et les fondateurs ont pu expliquer ce qui devenait techniquement possible, tandis que les artistes et les éducateurs ont pu s'interroger sur ce qui rendait ces possibilités significatives.
Pour les musiciens présents, ce résultat constituait une invitation concrète à apprendre et à expérimenter, tout en conservant la responsabilité du travail. La valeur de l'IA se mesurait à travers la créativité qu'elle stimulait, et non pas uniquement par sa nouveauté.